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28 enero 2019

Shadow of the Tomb Raider (Xbox One, PS4, 2018)



Shadow of the Tomb Raider (Xbox One, Ps4, 2018)
Raise of the Tomb Raider (Xbox One, PS4, 2017

Cuando en 2013 comenzó el reboot de la serie de Tomb Raider, pocos nos esperábamos que fuera tan brutal, entonces escribí mi reseña (acá la puedes leer: https://papachasama.blogspot.com/2014/02/tomb-rider-definitive-edition-resena.html). Ahora, comenzando este 2019 tuve la oportunidad de terminar Shadow of the Tomb Raider, que sería la tercera y última entrega de la trilogía del reboot. Debí haber escrito sobre la segunda entrega, Raise of the Tomb Raider (2015) el cual terminé hace algunos meses, a mediados del año pasado, pero aprovecharé para escribir de ambos juegos ahora.

            Comenté en su momento, lo impresionante y relevante que había sido el reboot de la franquicia, ciertamente la serie de juegos de Tomb Raider siempre fueron populares, pero definitivamente se volaron la barda con esta nueva trilogía de la serie. En varios aspectos, los visuales de Tomb Raider del 2013 se volvieron la referencia en los videojuegos de la época, y era práctica común ver benchmarks utilizando el demo del juego para probar las tarjetas gráficas más novedosas de la época, y aunque tres años después de Shadow of the Tomb Raider (2018) sus gráficos son cuestionablemente similares a los de sus predecesores, pero no se confundan, puedo asegurarles que en el ámbito gráfico no desilusiona. ¿qué cambio? Bueno, ahora con el Xbox One X pueden jugarlo en 4k (algo que podrían haberlo hecho en el pasado con las versiones anteriores de Steam del juego), aún así se agradece ver tan increíbles visuales y con altas resoluciones, definitivamente un buen incentivo para escoger este juego hoy en día. En las opciones gráficas, el juego te permite poner alta resolución, o alto FPS (ambos se agradecen) y he visto que mucha gente opta por jugar con más cuadros ya que se ve muy fluido y verdaderamente increíble.

            Creo que lo grandioso de esta tercera parte, no viene del apartado técnico ni gráfico del juego. Al haber terminado las tres entregas, el sabor que me dejó fue muy grato, e insisto que esta ocasión la evolución viene por parte de historia, la evolución y redención del personaje principal: Lara Croft. Si el primer juego, de manera brutal toma a una estudiante de universidad y la transforma en una sobreviviente guerrillera, el segundo lleva a Lara y su obsesión de venganza contra la Trinidad por haberle quitado a su padre, llevándola al extremo y a cuestionarse a sí misma, para que el tercero nos regrese “el alma” y la humanidad de Croft: al fin de la trilogía salvar vidas, salvaguardar la historia, preservar (no entender) la historia se vuelve su misión final.

            Una de las escenas más entrañables de la serie, viene en esta tercer entrega, juegas un capítulo entero de las memorias de Lara y su vida como niña, cuando vivía con sus padres en la mansión Croft, son ese tipo de detalles que te pegan bien fuerte, y comienzas a entender lo que se perdió en el tiempo, lo que está en juego y por qué Lara busca y busca, a pesar de ella misma reconocer que no sabe como parar o que la detendrá. Es por eso que al final de la trilogía, podemos apreciar a una Lara consumada, sonriente… pero finalmente “feliz” por quienes la llevaron a ser lo que es y lo por lo que hace que es importante para la humanidad (su historia).

            Uno de los puntos que más me emocionó, fue llegar a la ciudad perdida de Paitití y convertirte en uno de sus pobladores, sentir como caminas en el mercado y hablas con la gente que hace retroceder cientos de años en el pasado e imaginar lo que era vivir en una ciudad Maya-Inca-Azteca a tal grado que a veces olvidabas que es un juego basado en tiempos modernos. Otro aspecto que me emocionó mucho fue el inicio del juego en Cozumel y las festividades del día de muertos, para luego verte enredado brutalmente en una inundación o tsunami que se lleva al pueblo completo. En varias partes de la trilogía usan estas secuencias de acción, donde “no hay para atrás” y aún así siguen funcionando para emocionar a la gente que lo jugamos, para mi, son estas cosas las que hacen a un juego memorable y estoy agradecido con los creadores del juego y de haber tenido oportunidad de jugar la trilogía, sobre todo hoy en día donde es muy fácil “brincarte” juegos ya que todos sabemos que hay más juegos y opciones que tiempo para jugarlos todos (no sé si sea malo o bueno, pero a eso hemos llegado). Mi backtrack de juegos esta superpoblado, y para jugar Tomb Raider he dejado de lado muchos otros juegos que se han ido apilando allí, esperando tener su oportunidad.

            Mi obsesión por el 100% ha sido premiada con estos juegos, ya que efectivamente si haces el juego completo te dan un logro, aunque no necesariamente es el último logro como sucede en muchos otros juegos, por lo que puedes enfocarte muy tranquilamente a acabar el juego y completarlo a tu ritmo, con la dificultad que escojas, y realmente DISFRUTARLO sin estrés, el primer juego premió muy poco el 100% y dio especial peso de logros a jugarlo online, el segundo premió mejor el 100% y dio peso especial a crear tus propias misiones con tarjetas y publicarlas para que el público online jugara, ahora esta tercer entrega premia mucho más la historia, y deja un apartado competitivo online contra puntuación (también incluido en la segunda entrega) por lo que al que desee, puede seguir explotándole unos cuantos logros aún después de haber acabado el juego al 100%.

            En la parte de gameplay, es muy similar a los anteriores, aunque ahora las habilidades de rappel reciben un nuevo set de opciones, ahora el rappel vertical te pondrá los pelos de punta, el balancearte en la cuerda, el bajar a una zona desconocida colgando… y que puedo decirles de la nadada, ahora si, literalmente Lara se vuelve un “caimán”, me estresa en particular las escenas donde nadas en las cavernas submarinas y comienza a faltarte el aire, es increíble que el juego en su tercer entrega y dándome “pan con lo mismo” me cause tensión y emoción en vez de frustración. Se puede argumentar que el juego es repetitivo, sobre todo por estar recogiendo todo para alcanzar al 100%, pero en este apartado considero cualquier Asassin’s Creed mucho más repetitivo y lejos de causarte emoción esos juegos te causan hartazgo.

            La caza de animales extraños también se volvió una fascinación, aunque realmente hay poca razón para hacerlo, ya que jugando el juego de manera normal consigues los materiales necesarios para “craftear” y para “upgradear” tus equipo sin mayor problema. El mundo de cacería es mucho más grande de los vistos previamente, y algunos mapas son simplemente masivos. La acción de pelea contra enemigos sigue siendo basada en el stealth, y evitar que los enemigos te vean, aunque ahora si me emocionó mucho una parte donde Lara “pierde” el control y camina bajo las ráfagas enemigas sedienta de sangre… “ahora si ya la hicieron encabronar….” Pensé.

            Debido al incremento de la agresividad de los enemigos, y a su aguante, ahora es necesario utilizar varios tipos de acciones: curaciones, plantas que aumentan tu aguante, tu enfoque, etc. Y en varias ocasiones me vi en la necesidad de curarme y quitármelos de encima con la escopeta, y aunque soy de los que guardo balas para utilizar más el arco ahora me vi obligado en varias ocasiones a darles “con todo” o morir en el intento.

            Creo, sin lugar a duda, que Tomb Raider y sus tres juegos del reboot son grandiosos, y vale la pena mucho jugarlos (sobre todo el primero). Si sientes que estos juegos son lo tuyo, no puedes dejar de jugar los tres y ver por ti mismo como Lara se convierte en una sobreviviente, pierde su alma por querer vengar a sus padres, y recupera su humanidad rescatando un pueblo entero de la perdición.

08 enero 2019

La casa de Jack (2018, Lars von Trier)


“Vamos a la cineteca” me dijo mi amigo José Luis, esta vez iríamos supuestamente a ver un documental del director Ingmar Bergman, aunque una vez en la taquilla no pude evitar el cambiarle los planes por ver la más nueva película de Lars von Trier “The House That Jack Built”. Obvio entré entusiasmado a ver la película, y me gustó tanto que inclusive fui a verla una segunda vez con mi pareja (también le gustó a ella).

Puro spoilers adelante, pase bajo su propio riesgo. Lectura (y película) no apta para menores de edad, solo para gente de amplio criterio.

La película comienza con un diálogo entre “Verge” y el nuestro protagonista “Jack”, quien nos narrará durante cinco eventos aleatorios de su vida, el como llegó a ser un asesino serial y matar a más de sesenta personas, todo esto en un lapso de doce años. Al principio pensamos que es una especie de confesión, ya que el mismo Verge refunfuña a Jack que son pocos los que llegan al final de esa travesía sin hablar, como que de pronto a todos les entra la necesidad de confesarse y hablar.

El primer evento de asesinato sirve para presentar a Jack, y de cierta manera “justificar” su crimen; la típica tipita insoportable que te usa y te provoca para después insultarte. Inclusive mi pareja se carcajeo con ese asesinato, casi casi te lo ponen así para que digas “yo también la hubiera matado”. Desde allí, te das cuenta de que el color rojo tiene un significado más profundo en la película, el arma del crimen, un gato hidráulico es también llamado “Jack” en inglés.

Jack es un ingeniero, porque su madre pensó que era el mejor camino para él, obviamente trae aspiraciones a más, a ser un arquitecto. Al dejarle una cuantiosa herencia, Jack no tiene ningún obstáculo para lograr su objetivo: construirse una casita junto al lago, inclusive ya tiene el terreno, hasta que se nos revela su condición demencial. Jack sufre de trastorno obsesivo-compulsivo (OCD, por sus siglas en inglés), admite el incluso haber tenido fuertes convulsiones de niño, su fuerte TOC le provoca querer todo en orden, y lo lleva a buscar limpieza de manera enfermiza.

El segundo evento nos muestra un Jack novato, arreglándoselas como puede para salirse con la suya (el asesinar a una señora), es aquí donde notamos su camioneta de color rojo, y no puedo evitar pensar en el “Jack of all trades”, o expresión que utilizan los gringos para referirse a una persona multi-oficios que no necesariamente es muy compentente en todos ellos. Jack se hace pasar por policía, por agente de seguro, por coleccionista de trenes, por examigo de la pareja de la señora… todo de una manera espontánea y torpe, pero que le ayuda a salir adelante. Estrangula de manera poco eficaz a la señora, le clava un cuchillo en el corazón y se dispone a hacer “arte” tomando fotos del cuerpo en la sala de la casa de su víctima. Al terminar su obra, limpiar rigurosamente e irse con el cuerpo en su camioneta, su severo TOC le provoca regresar varias veces a la escena del crimen, y casi causa que lo agarre la policía, sin embargo Jack admite que después de asesinar se siente más y más aliviado de su trastorno, al grado que cada vez se atreve a más de manera más desordenada.


Jack fue un niño extraño, pero hace énfasis que cuando jugaban a las escondidas, él corría en los maizales como un loco para no ser encontrado, entonces Verge le apunta la ironía de que en realidad él deseaba ser encontrado, ya que el correr en los maizales deja un rastro para seguirle fácilmente de maíces tirados ¿será que Jack en realidad desea ser encontrado?; al huir de la escena del crimen, parte por torpeza y parte por casi ser descubierto por un policía, Jack amarra el cuerpo de la señora a la camioneta y arrastra por varios kilómetros el cuerpo hasta llegar a su guarida: un congelador el cual adquirió del dueño pasado con cientos de pizzas (de las cuales, ni vendió y solo comió una), es aquí donde Jack irá guardando los cuerpos de todas sus víctimas a través de los años, por más que intentó no pudo abrir un cuarto anexo al congelador por más que intentó. La cara de Jack se horrorifica al acercarse a desamarrar el cuerpo de la camioneta y ver que al arrastrar el cadáver lo desfiguró por la fricción al piso; dejando un rastro de sangre tras de sí por todo el camino, pero cambia de repente cuanto por milagro divino comienza a llover, borrando el rastro que pudiera acabarlo. “sentí una protección divina” dice cínicamente. La película esta llena de humor negro, varios en la sala ríen.

Durante su infancia Jack veía como los campesinos cortaban los maizales con guadañas, en una sincronía que más bien parecía una danza, todos al unísono y respirar para cortar de un tajo los maizales, exhalar para regresar la guadaña y dar un paso adelante, y así repetir una y otra vez, podemos ver la cara de Jack gozo que disfruta de esto… “obvio”—comenta mi pareja, la volteo a ver con cara de “¿qué?” y ella replica: para su TOC eso es un alivio, para él eso es el cielo, ver todo en sincronía, funcional (ya verán porque me quedé con el ojo cuadrado más adelante). Sin embargo, Jack era cruel desde niño, se le ve capturando con una red patitos del lago, para luego cortarles las patitas con una pinza solo para regresarlos al agua y ver como se ahogan al no poder nadar, Jack está desconectado de cualquier empatía hacía un ser vivo, y esto solo es el preámbulo de lo que será cuando sea mayor.

Verge le hace ver a Jack lo mal y enfermo que está, pero él trata de convencerlo de que se trata de otra cosa, “es arte”. Jack le habla sobre arquitectura, sobre como las catedrales góticas lograron hacerse cada vez más altas, y cada vez más imponentes, siempre gracias a los materiales correctos que fueron optimizándose más y más, al grado de sostener esas impresionantes bóvedas donde sus creadores pudieron esconder en lo más recóndito piezas de arte que nadie más podía ver… más que el creador. Verge se burla de lo ególatra que es Jack, no solo es un ingeniero que se ve como un arquitecto (aspira al arte) sino que ve estos asesinatos como su arte, de manera torcida ofreciéndoselo a un poder divino superior.

La casa de Jack es construida en diversas ocasiones durante la película, o por lo menos solo sus cimientos, su esqueleto, para verse demolida una y otra vez. Jack simplemente no esta convencido de lo que está haciendo, no son los materiales correctos.

El tercer evento de asesinato sucede con una dama que besa a Jack, él pone sus manos alrededor del cuello de ella y la estrangula hasta matarla. En contraste con el asesinato anterior, Jack es ahora todo un profesional, casi de manera quirúrgica realiza su fechoría y nuevamente tomas las fotos, de las cuales explica que lo que realmente le apasiona no es en sí las imágenes… sino los negativos, la luz en la oscuridad y viceversa. Sin embargo, en esta ocasión las fotos no son de su agrado, su obsesión lo lleva de regreso (con todo y el cuerpo de la víctima) a la escena del crimen, pero en su camino al ver a una viejita caminando en la carretera su locura lo hace regresar a atropellarla… ahora tiene dos cuerpos. Lo vemos improvisar de nuevo para saciar su obsesión, al subir dos cuerpos a un complejo de departamentos expresa que a veces para no ser descubierto lo que debes hacer es justamente no esconderte, cínicamente expresa su sorpresa por no haber sido aprendido nunca, y por la falta de castigo en su vida debido a sus acciones.

Los dos cuerpos son acomodados de formas caricaturescas y procede a tomar fotos, esta vez las imágenes son ahora del completo agrado de Jack quien las imprime manda a un diario local bajo su seudónimo Mr. Sophistication. “Tu soberbia no tiene límites Jack” se burla Verge. Nuevamente Jack trata de convencer a Verge de su obra de arte, Verge le insiste que su falta de empatía humana le impide ver que nada que no provenga de un acto de amor puede llegar a ser arte, a lo que Jack responde que imponer juicios morales sobre una obra de arte la destruye. Verge insiste en el amor, en la falta de familia, en la falta de empatía… Irónicamente Jack intenta imitar emociones de empatía, se para frente a un espejo y trata de imitar las caras logrando solo limitarse a hacer muecas. Jack le admite a Verge “yo alguna vez tuve una familia”.

El cuarto evento es la mórbida historia de como Jack se hace de una familia, o en este caso de una madre soltera con dos niños, a los cuales invita de picnic en un lugar apartado del bosque. El niño más pequeño no está a gusto, se queja varias veces con la mamá por estar allí, Jack se gana al hijo grande mostrándole un rifle de caza y hablándole sobre la cacería, le cuenta de la utilización de el perro de sangre que sigue a las presas heridas de muerte para acabar con el trabajo, y de como la cacería es una actividad abominable que él no acepta.

El niño grande insiste que desea subir al puesto de tiro, a lo que Jack le responde que sí, que le enseñará a tirar. Jack sostiene el rifle y el niño aprieta el gatillo, es notable que toda la familia trae consigo una gorra de color rojo. En las siguientes escenas, Jack mata a los niños cazándolos con su rifle, dejando viva a la mamá. Entonces realiza un macabro picnic con los cuerpos de los niños y la madre privada de todos sus sentidos, donde le manda que les dé tarta de manzana a los niños… “a mi no me dieron suficiente de niño”. “¿Cuál es tu número favorito?, ¡todos tienen un número favorito!”, la confundida madre contesta doce de manera desconcertada, para ver a Jack caminar apaciblemente hacia el puesto de tiro mientras comienza la cuenta regresiva… desde doce. 

Herida de muerte, la madre trata de huir de Jack, él feliz comienza a seguir el rastro de sangre hasta darle caza. “¡perro de sangre!” dice Verge resaltando las enseñanzas de cacería de Jack a los niños. Esta vez Jack posa a la madre y los niños con veinticuatro cuervos muertos haciendo alusión a la caza selectiva, cuando Verge piensa que Jack ha llegado al límite de su locura, Jack le confiesa que a través de los años, la congelación de los cuerpos y con un poco de taxidermia, aprendió a darle formas a los cadáveres… toma el cuerpo del niño pequeño al cual llama “gruñón” y lo posa a sonreír de manera diabólica y juguetona. “Eres el peor y más pervertido ser que me ha tocado ver, Jack” replica Verge: “¡tú no conoces el amor!” pero Jack replica “una vez, me enamoré”.

El quinto evento nos muestra que Jack sostuvo una relación con una chica de nombre Jacqueline, pero él solo la llamaba “simple” por lo tonta que era. Jack admite que le gustaba muchísimo: “¡Qué lindas tetas tienes!” le dice, a lo que ella le reclama por qué es tan “simple”; tan burdo en sus comentarios. Ella está agobiada, no sabe bien la razón, pero supone que es porque él la dejará pronto. Jack se hace pasar por un inválido, según él así no lo ven como una amenaza y ayuda a que sus víctimas bajen la guardia, sin embargo eso no le evita que el policía de la calle lo multe por estacionarse mal. Esta vez el objeto rojo a resaltar es un teléfono, el cual Jack utiliza para comunicarse con ella de un cuarto a otro, “Jack” es también el nombre de las clavijas que utilizan los teléfonos. Ella no sabe como tratarlo, Jack le dice que es estúpida… muy estúpida y se burla constantemente de ella. 

Jacqueline se percata que la línea del teléfono esta cortada, y temerosa decide fugarse del departamento mientras Jack descansa, pero la confronta finamente al descubrirla. “Tú eres Mr. Sophistication” le dice ella con voz temblorosa, extrañamente la persona que él considera más estúpida es quien logra descubrirlo y reconocerlo por primera vez. Jack le acepta que ha matado a muchos; a más de 60 personas, ella horrorizada se queda atónita y él le pide que grite, que grite lo más fuerte que pueda por su vida… después la hace gritar hacia la calle, sin éxito. A pesar de los gritos de desesperación de Jacqueline nadie responde. “Tienes unos vecinos de mierda” le dice Jack. Ella logra salir del edificio y corre hacía el policía y le grita que su novio es un asesino y ha matado a más de 60 personas, Jack sale a respaldar lo que ella dice cínicamente y agrega que él no es lo suficientemente bueno para ella. El policía les dice que deberían dejar de tomar e irse de regreso a su departamento. Verge replica por qué todos los policías en los relatos de Jack son ineptos, y por qué todas las víctimas de él son mujeres, si es acaso por que él se cree superior a las mujeres o simplemente por misógino. “Pero también he matado hombres” se justifica Jack, pero ciertamente Verge ha encontrado un patrón de conducta en Jack, ya que solo quiso hablar de víctimas mujeres en sus relatos. Jack toma un cuchillo y le corta los senos a Jacqueline, uno se lo deja en el parabrisas de la patrulla al policía.

A partir de aquí, se nos narra el Epílogo, en el cual vemos a Jack entrar en un frenesí por conseguir una bala reforzada (Full Metal Jack, en inglés) misma que utilizará para honrar la invención nazi de eliminar varios rehenes utilizando una sola bala y poniéndolos en hilera. Cuando Jack se dispone a poner a cinco víctimas varones en línea recta con su rifle, uno de ellos le indica que no está usando una bala reforzada, lo sabe ya que él mismo es un militar. Jack explota y sale corriendo a reclamarle a proveedor, es allí donde pierde los estribos y hace un escándalo porque le vendieron balas marcadas como reforzadas cuando no lo eran. El vendedor le pide un recibo, el otro se pone peor. “Dame aunque sea solo una” le grita Jack “¿Por qué solo una?” le pregunta temeroso el vendedor, a lo que Jack sale del lugar fúrico y echando pestes, a continuación el dependiente de la tienda corre al teléfono a hacer una llamada.

En tu locura, Jack se sale de la carretera con la camioneta, y corre a un camper cercano a un lado de la carretera, siendo este un pueblo pequeño, se sobre entiende que todos se conocen. Entra pidiendo una bala reforzada a su vecino, para encontrarse con una emboscada: “ya te descubrí, sé lo que has estado haciendo”, su vecino o apunta con una pistola y usa una bata de color rojo. Jack sorprendido accede a las demandas de su vecino, quien lo sienta en un sillón a esperar a que llegue el sheriff al cual le habla pero no encuentra “que venga lo más pronto posible, tengo a Jack” le dice a quien contestó. Nuevamente vemos la inteligencia de Jack, que convence a su vecino que no es una amenaza, que se relaje, suelte el arma, que ellos se conocen de varios años antes. Le recuerda cuando este le ganó una presa, un ciervo que cruzo a su territorio. El vecino decide que Jack esta acorralado y que no puede llegar muy lejos, por lo que se relaja, para recibir una puñalada en la garganta… a los pocos segundos llega el sheriff y al verlo de espaldas con la bata de color rojo y un cuerpo en el piso, lo felicita por haber capturado a Jack y se apura a poner las esposas, para ser baleado por Jack, que huye con la patrulla del sheriff (sin siquiera quitar la sirena), no sin antes sacar una bala reforzada de los tiliches de su víctima.

Es aquí cuando notamos que Jack a perdido la cabeza, a dejado de pensar sus acciones de manera quirúrgica como solía hacer, su TOC ya no parece importarle, pero esa obsesión por hacer las cosas como él quiere lo han llevado a la perdición y a locura. Orgulloso, y con horror de sus rehenes, pone la bala en el rifle y se dispone a ponerlos en línea, pero cuando quiere apuntar se percata que la mira no puede enfocar porque esta demasiado cerca, voltea atrás y ve la puerta del cuarto que jamás pudo abrir. Por un minuto, después de tanta locura, Jack se detiene a pensar y haciendo palanca con un tubo logra al fin forzar la puerta (que tenía un marco rojo pintado alrededor de la ventana), abre el cuarto que esta en total oscuridad y retrocede con el rifle para volverlo a acomodar, alinearlo obsesivamente (hasta con nivel y toda la cosa). Se escuchan patrullas que llegan afuera, Jack sabe que están a punto de agarrarlo, pero eso no lo frenará de llevar a cabo su obra. Esta vez puede enfocar la mira del rifle y cuando esta dispuesto a completar su mórbido plan jalando del gatillo; se escucha una voz al fondo del cuarto que le llama: “Jack”. Pude sentir como se me erizaba los pelitos de la espalda.

Es aquí cuando la película utiliza el viejo truco de sacar un conejo del sombrero, el famoso “twist” del cual nos tenía acostumbrados el director M. Night Shyamalan (Split, 2016) y Lars von Trier no pierde la oportunidad de darle un revés a la película.

Jack voltea a la esquina incrédulo, y temeros prende la luz. Hay un hombre de negro de avanzada edad sentado allí, “¿Quién eres?” – pregunta Jack. “Puedes llamarme Verge”, responde el anciano. Jack duda por unos segundos, y pregunta si él viene a detenerle. Verge le dice que no, que en todo caso fue Jack quien le llamó a él, y le hace ver que él siempre estuvo allí, pero es hasta ahora que se dio cuenta de ello. Verge no viene a detenerle, pero si le hace una pregunta “¿qué no se supone que construirías una casa?”, entonces recordamos el único objetivo que alguna vez se propuso, mismo que abandonó tras demoler en diversas ocasiones siempre aludiendo a la falta de material correcto. Jack se avergüenza y admite que no pudo cumplir su objetivo, pero Verge le anima “Encuentra los materiales Jack, construye la casa”.

Lo que sigue es una siniestra secuencia en la cual Jack decididamente construye una casa en el cuarto oscuro con los cuerpos congelados de sus víctimas que ha juntado por más de doce años; cortando alambre, con estructura tubular, cercenando miembros y amarrando cadáveres de forma macabra Jack construye una casita de carne y hueso. Verge se acerca y lo felicita “es completamente usable” mientras entra a la casa, ante la contemplativa mirada de Jack. Al fondo se puede ver como la policía ya esta haciendo un hoyo desoldando la puerta de metal del congelador; están a punto de entrar. “¿no vienes” pregunta Verge, Jack da una última mirada atrás y entra apaciblemente a la casita, la cual de manera fantástica ahora tiene un gran hoyo en el piso listo para que él huya, se alcanza a ver dos balazos.

Pantalla oscura, largos segundos donde solo se escucha el sonido del agua y eco como de alcantarilla. Jack pregunta si puede hablar durante el camino, si es que existen reglas al respecto, Verge se burla, pocas personas son las que se quedan calladas durante estos viajes, ya que extrañamente les entra la necesidad de confesarse y hablar. (sí, así es… las primeras escenas de la película).


Virgilio (O Vergilius… “Verge” para los cuates) es el personaje que en la Divina Comedia de Dante Alighieri es el guía a través del Infierno y del Purgatorio. Ahora podemos ver la retórica travesía de Jack hacia los infiernos, primero en alcantarillas, luego cuevas, luego bosques debajo de la tierra, la película de manera atónita se vuelve un cuadro de arte, podemos ver como Jack va descendiendo los anillos del infierno, no sin antes darle una vista por arriba a los campos Elíseos, “Aquí no se nos permite entrar” replica Verge, mientras Jack observa en el horizonte como un grupo de campesinos con guadañas cosechan trigo cortando al unísono mientras inhalan y exhalan en perfecta sincronía. Recordé el comentario de mi pareja, y se puede ver como Jack derrama una lágrima.

La última parte de la película es cuando Verge lleva a Jack a observar un puente que existió antes, y ya no. “He entendido que lo quieres ver todo, así que tómate tu tiempo y nos vamos”, Jack escrudiña el lugar, y puede ver un camino del otro lado del puente roto “¿qué hay allá?” pregunta curiosamente. “Es la salida del infierno” responde Verge, la tentación a la cual lo somete es obvia, “¿No es posible asirse de las piedras y llegar a la salida?” pregunta Jack, a lo que Verge responde “Muchos lo han intentado, nadie lo ha logrado, pero ultimadamente es tu decisión”. Jack le da la mano a Verge despidiéndose y diciéndole que lo intentará. Es esta la parte de la película donde vemos a Jack el intentar salvarse, cuando todos sabemos que merece la condena, de manera morbosa lo vemos intentar y fallar, mientras cae al rio de lava que va a lo más profundo del infierno, la imagen se torna negativo, lo oscuro en lo brillante, lo blanco se hace negro.

Comienzan los créditos, volteo a ver a quienes me acompañaron a ver esta magnífica obra, estamos extasiados y ansiosos de comentar la película. Esta es la que más me ha gustado de Lars von Trier, aunque a lo mejor solo es la euforia del momento, no puedo más que recomendar la película pero estén advertidos del tipo de película que es.




17 diciembre 2018

Roma (2018, Alfonso Cuarón)



Ayer vi Roma con mi amigo Oscar Noriega, buscábamos que ver y a pesar de la tentación de ver Outrage Coda una película de yakuzas de Takeshi Kitano (tentador) nos acabamos decidiendo por Roma, supongo que en parte por la moda y para evitar que me la fueran a spoilerear por no verla en su fin de semana de estreno (así somos ¿qué le vamos a hacer?) Me sorprendió gratamente en varios niveles y aspectos, y creo que vale la pena hablar de ella además de estar “a tiempo” de hacerlo. 

Es curioso que inclusive la primer escena (de créditos) nos dio tema de plática; hace poco tiempo (un año o dos) platicando con Ángeles Toquero (la entonces directora de Altrafílmica; escuela donde estudié un diplomado de cinematografía hace algunos años) nos planteaba un proyecto que deseaba realizar, en el cual había que hacer una toma contra un charco de agua y el reflejo de un avión pasando, después dentro de las mismas ideas que nos planteaba había otra escena de una mujer trapeando mosaicos del piso en una casa vieja… imaginen mi cara cuando la primer escena de Romaes justamente todas estas ideas en una sola toma, además lograda de manera magistral (por más sencilla que parezca la descripción) no sé si Ángeles conocía del guion de Romadesde entonces, las paredes escuchen, o sean ideas cliché que todos los chilangos tienen para hacer una película, pero el haber yo mismo intentado plantear estas tomas (o muy similares), y verlas ser ejecutadas con tal nivel y pulcritud ¡por supuesto que me emocioné!, no sé si lo había dicho antes, pero para mí Cuarón y su película Solo con tu parejafueron las primeras películas que me hicieron desear ver más de las echas en México.

Sabía que la película era en blanco y negro, de hecho, a partir de mis estudios de cine comencé a ver nuevamente cine en blanco y negro con excelentes experiencias, sobre todo en tiempos de la remasterización y el 1080p alias “La Alta Definición”. He tenido el placer de ver La infancia de Iván(1962, Andrei Tarkovsky), Early Summer(1951, Yasujiro Ozu), Victimas del Pecado(1951, Emilio Fernández), Sunset Boulevard(1950, Billy Wilder), Persona(1966, Ingmar Bergman) y El Ciudadano Kane(1941, Orson Welles)… todas ellas películas en blanco y negro, todas ellas grandes películas… pero quiero decirles algo, ninguna como la experiencia con Roma.

Antes que me brinquen y me quieran quemar en la hoguera, quiero expresarles que imagino que haber visto estas obras maestras en el cine, debió haber sido una experiencia inolvidable, el cine en blanco y negro en 35mm y la experiencia de ver esa calidad de producciones, guiones y actuaciones en su momento es algo que jamás se repetirá. Durante años los críticos de cine y las nuevas generaciones debimos conformarnos con lo que la TV nos ofrecía, una calidad rebajada tanto en calidad de video como en audio, y su heredero el DVD tampoco les hizo justicia a estas obras maestras. Fue hasta la época del FullHD que se pudo disfrutar estos filmes en algo que se acercara a la calidad del original, ¡Imagínenlo, esperar más de 50 o 60 años para verlas “como Dios manda”, y ahora nosotros lo podemos hacer!

Insisto, ninguna de las anteriores como la experiencia con Roma.

¿Por qué diablos insisto en ello? Para mí, ver Roma el día de ayer fue un renacimiento del cine… del cine de época, del cine en blanco y negro, del cine hecho en México… y desde el sofá de la sala de una casa de mi amigo (bien podrías haber sido la mía, ahora nos tocó estar allí con él). Estamos haciendo historia, somos la primera generación en México con acceso a un estreno desde nuestra casa y en glorioso 4K bastardo. Seré un obsesivo con lo mismo, pero es la verdad, nunca habíamos visto cine en blanco y negro con ese nivel de calidad. Es el milagro de la tecnología, obedeciendo la obsesión del amor por el cine clásico en blanco y negro, y siendo distribuido a millones de espectadores del nuevo milenio a nivel mundial por Netflix ¡bendita tecnología!… no sé ustedes pero a mi me emocionó mucho, porque sé que todos esos clásicos de blanco y negro que les dije anteriormente podremos verlos en todo su esplendor, con toda su calidad, en nuestra casita (no algún día… HOY) pero me emociona más darme cuenta que esas películas clásicas NO DAN el nivel de resolución de esto que acabo de ver; 4K y con HDR es tecnología a la mano, es decir tecnología de HOY, ¡Esperen a ver lo que viene!, ¡Ya estoy listo para los nuevos clásicos!

La cinematografía de Roma es brutal, la cámara con la que “jugó” Cuarón fue una Alexa 65 de Arri (6.5K) la cual dio y de sobra para crear un master digital en 4K, para que nos demos una idea, se hizo un print para cines de 70mm a partir de este master. Los detalles, las texturas, el mix de audio, todo apuntala la obsesión por retratar un México turbulento de principios de los años setentas. Más de una vez paramos la película, impresionados por el detalle de la época: ver un Centro Médico (que ya no existe, pues se cayó en el temblor de 1985), un ciudad Nezahualcóyotl (que literalmente tradujeron como “slums”) lleno de charcos y caminos rurales, un cine Metropolitan en todo su esplendor y con película de estreno, una colonia Roma llena de vida… todo ello apenas sirve para que nuestra generación se imagine lo que fue vivir en la sociedad mexicana de los setentas, y dentro de todo esta vorágine, la historia de Cleo, una empleada doméstica en la cual se centra todo el relato.

“¿Sabías que es autobiográfica” – Me preguntó Oscar.
La mera verdad no… no lo sabía.

Me imagino la cara que hubiera puesto desde antes si me hubieran dicho que un director de cine mexicano quiso hacer una película basada en su chacha, la verdad es que vi Roma sin preguntar ni informarme más que de los anuncios que se ven por allí en todos lados, y creo que es por ello que no me hice de prejuicios, y la vi en estado de contemplación, que es como debiera verse todo el cine, sin esperar “que te den algo” sino simplemente “recibiendo”.

No les hablaré más, mejor vayan a verla… ¡a su sala!, les aseguro que si tienen una TV de 50” (o más), que sea 4K y que tenga HDR tienen para verla con “la calidad” de verla en el cine (o diría yo superior, ya que por desgracia muchos cines ni siquiera tienen proyectores 4k). Esta es sin lugar a duda la obra maestra de Cuarón, no porque sus trabajos anteriores no sean increíbles, sino porque siento que ahora sí el director nos está entregando lo que realmente era de él y quiere entregarnos. Algo similar de cuando en aquellos ayeres sacó Solo con tu pareja pero ahora siendo un director mucho más maduro y sin las preocupaciones de llenar una taquilla para pagar las deudas que adquirió para lograr su proyecto. ¡Esto es lo que tienen que hacer nuestros directores mexicanos hoy en día!, no tratar de hacer algo con gusto internacional, si hacen algo bien clavado, muy mexicano, muy local, acabará gustando en todos lados.

⭐⭐⭐⭐⭐
Cinco estrellas (si ¡leyeron bien! cinco… putos)
Vayan a verla.

30 abril 2018

The Neon Demon (2016, Nicolas Winding Refn)

A finales de 2016, vi una película en la Cineteca con mi amigo Jose Luis Ortegón que realmente me impactó. "The Neon Demon" es una película con reseñas y opiniones encontradas, a mi me pareció una obra maestra. Cuando comenzó la euforia por el 4K y los Blu-ray UHD me obsesioné por encontrar películas que fueran "realmente" 4K, y de las pocas que encontré fue justamente esta (bueno, no es 4K, pero digamos un 3.4K según el formato de su negativo y su intermedio digital 4K).

El día de ayer, a falta de internet (porque no pagué, y gracias a Banxico y que los SPEI no pasaron me quedé sin nómina de fin de semana, en pleno puente del 1 de Mayo, y sin Internet... que alguien llame a los bomberos), no nos quedó de otra más que ver películas a la antigua usanza, y que mejor manera de hacerlo que sacando esta joya en 4K y verla en todo su esplendor, esta vez con dos personas en mi sala que jamás la habían visto (de allí, comprobando el resultado de opiniones encontradas al respecto). Una cosa es segura, esta película es preciosa.

Nicolas Winding Refn no es un director cualquiera, ya ha sido aclamado en Cannes y en 2011 recibió el título de mejor director por su film "Drive". Algo que me conecta inmediatamente con él, es su declaración de que no desea ser un director, un fotógrafo, un editor, un productor o un sonidista... sino TODOS ELLOS al mismo tiempo. Con ellos es clara su obsesión por los detalles y por estar involucrado al 100% en sus proyectos, además de que él mismo ha citado que la máxima inspiración a su carrera ha sido la película de Masacre en Texas (¡wooow!, fuertes declaraciones diría mi estimado Vanegas). Para él la nueva onda de cine Francés ;con el que su familia intentó inculcarle como "lo correcto" en películas, lo horrorizó y: ¡Qué mejor manera de rebelarse que con buenas películas americanas de terror! Yo compartí este sentir al sentarme a estudiar cinematografía y que se me presentara la industria del cine nacional como "el debemos defender, procurar, crecer, etc" cuando yo adoraba a Spielberg, Lucas y Zemekis.



Cuando buscas información sobre la película, cae en el thriller psicológico e inclusive le llaman película de horror. Definitivamente es una película que impacta, y en términos de fotografía es una "chingada delicia" como dice nuestro buen amigo Guillermo Laguna alias el EvilRobot. Es la primer película en la que vi a la hermana de Dakota Fanning y me quedé impactado con su belleza y juventud: Elle Fanning brilla por su personaje Jesse, pero gracias al montaje cinematográfico y a los lentes que claramente la favorecen logran convencer al espectador que estamos ante "la mujer más bella". Es precisamente esta belleza la que lleva a Jesse a buscar suerte en el mundo del modelaje
en LA, y es precisamente su paso por las agencias de modelo, por las pasarelas y por el mundo del modelaje que la van transformando y que finalmente, esto irá generando abalanzas, intereses, envidias y peligrosidades.

"Cuando pregunten diles que tienes 19" indica la de la agencia de modelos a Jesse - ¡Nadie va a creer eso! - contesta ella de manera incrédula, "La gente creerá lo que tu les digas" le afirma. "En el mundo del modelaje, la belleza no lo es todo: es lo único" dice un diseñador de modas famoso. "¿Qué se siente entrar a una habitación de penumbras y ser tú el sol?" Le pregunta una modelo despechada a Jesse -- "Lo es todo" contesta sin titubear. "¿Qué acaso quieres ser como ellos?" Le reclama a Jesse su pretendiente fotógrafo  -- "No, ellos quieren ser yo" contesta fríamente ella. "Trabajamos con la belleza manufacturada porque es lo que tenemos, sin la belleza real nosotros no seríamos nada" refiriéndose a la industria del fashion el diseñador de moda. "Solo me estoy asegurando que saques algo de todo esto, porque si no, hay muchas otras chicas aquí. Checa a la del cuarto 214 si tienes oportunidad. Se la rente esta semana a una chica de Sandusky, Ohio... una fugitiva, trece años una verdadera lolita, verdadera mierda lolita" le dice el del hotel al amigo fotógrafo de Jesse (por cierto, un personaje repulsivo interpretado por Keanu Reeves). Son varios diálogos que hacen que el público se apantalle, la crudeza y superficialidad de una industria que se basa en la belleza física son tan ciertos como perturbadores, y cuando sucede la transformación de Jesse es similar a la del Cisne Negro de Portman, pero en este caso aplicamos la sabiduría de la canción de Gavilán o Paloma de José José: mucho cuidado con querer ser Gavilán porque puedes acabar siendo Paloma.

La crudeza con la que acaba la película es brutal, y que todavía Refn se toma tiempo extra para continuar la película y regresarnos a la frialdad del mundo de la moda para cerrar dos arcos más de personajes... es verdaderamente algo que perturba.

Al final la película encontré lo que esperaba; opiniones encontradas. Hubo una persona que le encantó, le pareció fascinante y al mismo tiempo hermosa. La otra persona no conectó, sobre todo por lo brutal y absurdo. Es por ello que las calificaciones en diversas partes suele ser tan dividida, y obvio esto afecta al promedio, es una película que amas u odias pero yo diría que debes verla por ti mismo, y apreciar, porque en serio, hay mucho preciosismo y belleza en la fotografía que debe ser tomada en cuenta.

Para mi, un favorito personal y una gran pieza de mi colección. 100% recomendable (a cierto público, no se la pondría a mi mamá obviamente)

01 febrero 2018

Trilogía de Golden Axe (Sega Genesis)

Lo prometido es deuda. Después de haber realizado una entrada al blog del Arcade original de Golden Axe, y haber conseguido un Sega Genesis Flashback era hora de darle a los juegos. Ya había comentado mi intención original de jugar la trilogía completa de Golden Axe y aquí estoy para contarles como me fue.

La verdad es que estoy jugando mucho juegos de dos jugadores, mi pareja y yo estamos jugando y como no estoy muy actualizado suelo remitirme a los juegos que jugué en mi infancia con mis hermanos (los que para mí, fueron los mejores juegos de dos jugadores)... creo que esta vez mi instinto no me falló. Golden Axe es un perfecto ejemplo de juegos de la época dorada de los 16-bit que no solo eran divertidos y presentaban un reto, sino que aprovechan al máximo el trabajo en equipo de dos jugadores que se sientan ante la misma TV.

Todo con orden, comenzamos por Golden Axe (o por lo menos ahora, su versión de Sega Genesis). Yo llevo años pregonando que el Arcade es mucho mejor, para mi sorpresa mi pareja (que los está jugando por primera vez) le pareció mejor la versión del Sega Genesis. El juego en sí, es prácticamente igual en contenido y en jugabilidad, con pequeños cambios en detalles gráficos y de sonido, pero después de jugarlos a la par me doy cuenta que la versión del Genesis sí es mucho más difícil. Me encantó su reacción cuando pensó "que ha habíamos terminado" y nos avientan un nivel extra.

Dos veces llegamos al final, dos veces nos la partieron. Pero lejos de que se sintiera frustrada y no quisiera volver a jugar, disfrutó mucho del juego y nos proponemos volver a intentarlo. Para mí el haber llegado al final con ella al primer y segundo intento fue excelente resultado.

No quiero clavarme en el asunto de los gráficos ni los sonidos, ya que aunque para mi en aquella época importaba, resulta que al paso de los años las diferencias no eran tan abismales entre la versión casera y la del Arcade, y a la hora de jugarlos todavía menos relevantes, ambas versiones son grandiosas y se disfruta mucho jugarlas.

Ante el fracaso de acabar el primero dos veces, propuse jugar la segunda entrega. Ella convencida de que yo sabía de que hablaba, nos pusimos a darle a la segunda versión. La mera verdad del asunto es que jamás había jugado este juego, se me hizo raro que habiendo sido tan gamer y fan en la época no me hubiera enterado de esta Joya. Pues resulta que después me di a la tarea de buscar información en internet y al parecer el título no piso tierras americanas hasta muchos años después en una antología de sega para otra consola. También recuerdo haber jugado el Arcade en casa de mi amigo Artemio, mismo que tampoco jugué en su tiempo en las salas de arcades (sepa donde lo habrán tenido). El chiste es que esta era la primera vez que jugaba Golden Axe II para Genesis.

Regresan los viejos luchadores, nuevamente escogemos entre los mismos tres personajes que había en la versión original, solo que en esta ocasión si hay ciertos cambios, algunos novedosos, algunos se agradecen, otros... no tanto. Para empezar la magia se acumula y puedes optar por gastar por segmentos, es decir no más botonazo a lo wey que queme toda tu magia (¡yeah!). Ahora los enanitos que tiran la magia son magos que se unen a la pela (como que me causo corto circuito, si son molestos los enanitos que corrían de ti, pero le daban un cierto sabor de boca), el juego sigue estando bastante perro y los poderes de dos botones cambiaron (no sabría decir si para bien o para mal).

Golden Axe II toma los mejores elementos de su sucesor y los repite, probablemente es un juego donde no se arriesgaron demasiado, yo lo disfrute y aunque no lo acabamos pude utilizar las antiguas mañas de hacer que la mitad de los enemigos se caigan sin siquiera tocarlos (cosa que podías hacer en la versión anterior, de hecho una mañana que te ayuda a llegar al final).

Llegó el momento de cambiar a Golden Axe III. El haber jugado los tres de un sopetón fue una experiencia muy llenadora, a mi me hizo apreciar todavía más la primer entrega y seguir pensando que es la mejor. No digo que no hubiera evolución en la saga, de hecho la tercer versión es la que más se siente diferente. Simplemente los combos de golpes, son mucho más complejos y tienes más opciones de combinaciones, agarres... a mi me supo más a Streets of Rage que a Golden Axe.

Ahora te permiten escoger entre cuatro personajes, ahora el enano Gilius Thunderhead se vuelve una especie de guía y no un personaje seleccionable para jugar... en su lugar podremos escoger entre un bárbaro y un felino. El juego esta bastante bien, se nota la evolución en juegos de Genesis años después, sin embargo en la parte creativa creo que se quedaron cortos, simplemente ciertas monturas no me terminaron de convencer, los "caracoles" corriendo como que siento que simplemente trataron muy duro de hacer algo diferente y al final terminas peleando con esqueletos... esqueletos con los cuales seguiré teniendo pesadillas aún ahorita ¿por qué siempre esqueletos?.

Si me permiten decirlo, me entró la nostalgia muy cabrón por Golden Axe, pero al igual que todos los gamers de la época... simplemente "me llené" rápido. Estuve viendo varios juegos de Golden Axe en Youtube hoy en día y comprendo porque Sega "termino" con la franquicia de una manera no muy elegante ni que convenciera mucho a los jugadores. Resulta que hasta juego de peleas hubo, y aunque lo ví y me pareció interesante, resulta que quienes lo jugaron no lo califican muy bien. Todo se resume a que la "mejor" experiencia la sigue dando el juego original del Arcade. Obvio, tampoco terminamos esta entrega, pero me llevo un buen recuerdo de lo mucho que jugamos.

Como opción dejaría la versión de Sega CD, ya que es la del MegaDrive-Genesis con algunos efectos mejorados y con mejor sonido (siempre se agradece el nivel extra).

Me despido no sin antes dejarles este increíble FanArt que le hace homenaje a este grandioso juego, que engendró una serie muy explotada por su creador SEGA y poco apreciado en sus tiempos. La verdad ha envejecido muy bien, y hay que darle mérito a quien mérito merece. (una disculpa porque no sé quien es el autor original de esta obra, pero hay que deleitarse viéndola).


29 enero 2018

Sega Genesis Flashback (2017) de AtGames


Caminando por un Sanborns vi este producto en un anaquel, quiero decir que después de la nostalgia (y el mercadeo) que provocaron los "Nintendo mini" y "SuperNES mini" me sorprendió ver que alguien (ese alguien es esta compañía llamada AtGames) estaba tratando de hacer algo similar pero con otras consolas, y claro que el Genesis tiene bastante cariño por parte de mi corazón, razón por la cual dudé de primera instancia en comprarlo.

Ya con tiempo en mi computadora, me di a la tarea de leer varios reviews de la consola, los cuales son bastante mixtos y no muy positivos en general, aún así (debido al precio) me animé a comprar la consolita (por motivos que expondré más abajo) en un precio de $2,000 pesos. No es la primera vez que le compro a Sanborns, resulta que efectivamente es el precio más bajo del mercado (o por lo menos por una consola nueva).

El Genesis Flashback es una consola que salió en el 2017, publicado por AtGames. Me enteré que básicamente esta compañía lleva décadas con la licencia, y son los mismos que han venido  vendiendo "esas consolas" con cientos de juegos desde hace años en Walmart. Obviamente aquellos productos distaban mucho de ser una pieza de colección, pero debido al reciente fervor por productos "clásicos mini" que sacó Nintendo, ahora AtGames tratan de hacer su propia versión y aprovechar el hype. Al parecer no es su única licencia la de Sega Genesis, ya que también ofrecen una consola similar de Atari.
 
Su ofrecimiento es bastante interesante: Una consola "mini" (más bien es mediana, no tan pequeña como las de Nintendo), dos controles inalámbricos con seis botones (la mayoría de los juegos no usan los seis botones), 85 juegos instalados en la consola, salida de video HDMI (720p) y... lo que para mí fue el selling-point adaptador de cartuchos (así es, puedes jugar tus cartuchos viejos), la consola acepta controles cableados "de los viejitos".

Si se dan cuenta, son una mezcla de elementos, lo cual obviamente fue lo que me hizo dudar si comprar la consola o no. Lo de los cartuchos originales, y lo de los controles originales fue lo que hizo que yo me decidiera a comprarla. Después de haberle invertido unas horas, me ha quedado un sabor de boca bueno, pero mixto, por lo que decidí escribir estas líneas por si a alguien le interesa adquirir esta consola y quieren saber más.

El punto más bajo de esta consola es sin lugar a duda los controles, son unas chinaderas mugrosas que no tengo idea que tecnología usen, pero les aseguro que será lo primero que boten y opten por unos controles decentes así dicta la antigüa usanza. Otro punto abajo, es que la consola no se ve ni se siente mini, más bien es mediana, AtGames sustituyo los logos de Sega por los propios y la verdad eso no me gustó, tampoco que hayan quitado la legendaria leyenda que traía la consola original: "16-Bit". Tampoco trae el control de volumen para audífonos, que tanto utilicé en la consola anterior.

La lista de juegos esta rara, obvio faltan muchos títulos que me hubiera gustado ver aquí (Gunstar Héroes, Musha, Valis, etc) Pero lo que más me brincó es que hay muchos juegos de SEGA MASTER lo cual esta rancio, ya que es un tributo al Genesis no a Sega. Ahora particularmente hablando de los juegos de Sega Master no voy a mentirles, me puse a jugar varios y me sacaron una sonrisa (obvio, porque estoy ruco y me recordaron mi infancia) pero considero que hubieran puesto 85 juegos de Genesis y no juegos mezclados de todo tipo, hay una lista de juegos que no tengo idea que son ni de donde salieron pero seguramente son de AtGames... obvio esa lista la voy a obviar porque ni me interesa.

Ahora, la verdadera razón de que comprara la consola es que con mi pareja queremos jugar más juegos de Golden Axe, resulta que hace un par de semanas anduvimos jugando Golden Axe en consola virtual (el del arcade) y fue tan bueno en resultado que me pidió que jugáramos "más juegos de estos", así que cuando tuve la oportunidad de jugar los tres juegos de génesis de Golden Axe no dude en comprar esta consolita y cumplirme ese cometido.

Obvio probé varios juegos, y me llevo un buen sabor de boca, muchos de los clásicos de la consola fueron desarrollados por SEGA y obvio, allí están. Personalmente no tengo ya muchos cartuchos de la consolita, pero el único que guardé fue Herzog Zwei y está allí listo para que algún valiente quiera jugarlo conmigo en la reta 2018.

Creo que como producto de memorabilia esta decente, para gente exigente se queda muy corto a los ofrecimientos que dió Nintendo hace algunos meses, y para los que quieren jugar... no necesitan más que conectarlo y ponerse a jugar, así que cumple bien.

15 enero 2018

Golden Axe (Arcade, 1989)





El día de ayer, clásico domingo de descanso en el que no hay nada mejor que hacer, en mi departamento buscamos que jugar. Es gracioso que teniendo tanto de donde escoger, se me ocurriera poner Golden Axe (Xbox 360 Arcade, corriendo en un Xbox One S). La verdad buscaba un juego que se jugara de dos al mismo tiempo, y que no representara un compromiso muy grande, ya que lo queríamos para jugar un ratito. Lo interesante del asunto es que le dimos varias vueltas, le sacamos prácticamente todos los logros (menos el de jugar en cooperativo en línea, ya nadie juega Golden Axe online estos días) y resultó ser todo un éxito.

Me hizo reflexionar sobre lo muy creativos y bien hechos que estaban los juegos de esta generación de Arcade. En esta época dorada de los videojuegos existían dos clientes para los juegos arcade: los muchachos que jugábamos buscando innovación y emoción, y los dueños de los locales que buscaban ganancias (¡échale monedas!), generalmente en esta época los juegos eran divertidos, bien hechos, con su nivel de dificultad moderado e invitaban a que siguieras y siguieras hasta acabarlos, y tenían que tener un balance para que no fueran demasiado frustrantes (como los de algunas consolas).

Me emocionó mucho escuchar los comentarios positivos hacia Golden Axe, y que si podíamos jugar más juegos "de estos". El System 16 fue una placa de arcade desarrollada por Sega para videoconsolas, y gozó de mucha fama a finales de los ochentas y principios de los noventas, tanto así que tenemos versiones digitales para Xbox 360 y Playstation 3 que operan con funciones online hoy en día en consolas modernas.

El genero es conocido como un Beat'em up y creo que durante una época este juego fue un hito por la onda medieval y de fantasía épica el cual sostiene la tecnología de sprites 16 bit, con lo cual el "sabor" que deja es único. (o lo fue, hasta que tiempo después Capcom sacó varios títulos de este estilo). Realmente no puedes cambiar tu arma, todo depende del personaje que escoges al principio y esto tampoco cambia demasiado la narrativa del juego, que es bastante lineal. Uno de las cosas que lo hicieron legendario es que fue de los primeros juegos donde podías usar una "montura" que te daba poderes muy específicos (inclusive mini-dragones).

Al comenzar, el juego nos da a escoger entre tres héroes: Ax Battler (una especie de Conan), Gilius Thunderhead (un enano con Hacha) y Tyris Flare (una amazona). Cada uno de ellos con un poder mágico basado en elementos (Tierra, Truenos y Fuego respectivamente), siendo Tyris el personaje que posee la magia más potente. Al contrario, el enano casi no posee magia pero es el más aguantador y ágil, y Ax el más equilibrado. Todos ellos buscan vengarse de Death Adder, quien es el jefe final del juego. El juego es lineal y no da opciones de camino, por lo que siempre sigues "adelante" para llegar al jefe final.

Algo que llama mucho la atención, es que los enemigos al morir en vez de desaparecer se transforman en roca, también que mientras avanzas puedes ver gente inocente huyendo del campo de batalla, también la manera en conseguir la "magia" que es golpeando a pequeños gnomos que cargan grandes sacos en los que llevan vasijas azules (o inclusive comida que te puede subir vida). El mapa se mueve hacia el castillo final, generalmente porque vamos arriba de un animal gigante (una tortuga o un águila) en los que se denotan los elementos más fantásticos del juego. Nos enfrentamos a todo tipo de enemigo: esbirros humanos, amazonas, esqueletos reanimados, gigantes, caballeros en armadura, sombras del más allá, etc. hasta llegar al poderoso Death Adder quien es reanimado por gusanos que se juntan del suelo para formar su cuerpo.


Las monturas son muy simpáticas, la primera que aparece jamás pude saber que era en aquel tiempo, hoy en día me dicen que es una Cocatriz, y un set de dragones rojo o azul con diferentes tipos de aliento de fuego.

Son varios los elementos, tanto técnicos como narrativos, que convirtieron a Golden Axe en el mejor juego de 1989 y en uno de los favoritos personales. Me dió mucho orgullo el haberle dado varias vueltas después de tanto tiempo, y que gente que jamás lo había visto lo supiera valorar y disfrutar... además de ver un glorioso logro que jamás había sacado (acabarlo sin continuar).

No puedo recomendar más este glorioso juego. Hace tiempo quise hacer una entrada del blog con la música de los vieojuegos que no puedo olvidar, y una de las pistas obviamente es de Golden Axe (la del primer nivel: Wilderness). No fue el único juego que pusimos este domingo, pero definitivamente fue el que mas llamó la atención, y ahora me daré a la tarea de poner un juego de esta gloriosa época del Arcade cada domingo y escribir sobre ello, esperando que las nuevas generaciones disfruten de estas joyas como nosotros lo hicimos algún día.